26 de julio de 2009

El cine de los 70s


LA DÉCADA DE LOS GRANDES DIRECTORES

Los años setenta traen cambios importantes al mundo del cine, y más concretamente al hollywoodiense.

En cuanto al estrellato, actores que en los 60 tenían papeles de reparto o empezaban a atisbar dicho estrellato, consolidaron esa categoría de forma definitiva en esta década.
1. Jack Nicholson - “El Ultimo Deber” (1.973); “Chinatown” (1.974); “Alguien voló sobre el nido del cuco” (1.975) y “Missouri” (1.976).
2. Dustin Hoffman - “Pequeño Gran Hombre” (1.970); “Perros de Paja”(1971); “Papillon”(1973); “Todos los hombres del Presidente" (1976) y “Kramer contra Kramer"(1.979).
3. Jane Fonda - “Klute” (1.971); “Julia” (1.977) y “El Regreso" (1.978).
4. Steve MacQueen - “La Huida” (1.972); “Junior Bonner” (1.972) y “Papillon” (1.973).
5. Faye Dunaway - “Pequeño Gran Hombre” (1.970); “Chinatown” (1.974); “El Coloso en llamas” (1.974) y “Network” (1.976).
6. Warren Beatty - “Los Vividores” (1.971); “El Ultimo Testigo” (1.974); “Shampoo” (1.975) y “El Cielo Puede Esperar” (1.978).

Algunas de ellas, compartirán incluso protagonismo en la misma película y serán un fuerte atractivo de cara al éxito comercial de la misma. Habrá otros que repartirán escenas con grandes actores de la década anterior - Robert Redford con Paul Newman en “El Golpe” o Jack Nicholson con Marlon Brando en “Missouri”, por ej. – y, por ultimo, están los que empiezan en esta década y pronto alcanzan tal categoría de estrella: Al Pacino, Barbra Streisand, Ryan O´Neal, Ali McGraw, Diane Keaton, Meryl Streep, John Travolta…




En los años 70 se padeció la denominada crisis del petróleo. El encarecimiento que éste supuso debido a la política de los países exportadores, trajo inquietud y zozobra a la industria y mercados mundiales. Por ello no es casualidad que a principios y hasta mitad de década se hiciera un cine espectáculo con temas de catástrofes. Películas que pretendían psicológicamente atenuar el temor que podía haber en la sociedad a causa de esa crisis y, para ello, ¿qué mejor manera que atenuarla que mostrando situaciones devastadoras causadas por elementos que estaban fuera del control humano?

Comparadas con ellas, el aumento de precios causados por la subida del petróleo podía tomarse como un mal menor.

“La Aventura del Poseidón” (1.972), “Terremoto” (1.974) y “El Coloso en Llamas” (1.974), con impactantes efectos especiales para la época, fueron éxitos importantes de taquilla debido a su espectacularidad y en parte también a los intérpretes con los que contaban, actores muy conocidos que, repartiéndose el protagonismo de la película con papeles algo estereotipados, daban el soporte adecuado al auténtico centro de atención de la cinta que no era otro que la catástrofe en sí.

El hecho de producirse una renovación generacional de directores que van a contribuir con sus películas a proporcionar un estilo común al cine de la década. Son directores nacidos en la década de los 40 o muy próximos a ella – Coppola y Allen con de 1939 y 1935, respectivamente -; directores que son ante todo autores y dan al estilo de la década en su conjunto una extraordinaria coherencia.

Sin pretender ser exhaustivo, paso a continuación a hacer un somero recorrido por los más destacados:



Francis Ford Coppola (1.939). Realiza en 1.972, 1.974 y 1.979 tres obras maestras y una a la que le falta un peldaño para llegar a serlo.

A saber: “El Padrino”, “El Padrino II”, "Apocalypse Now” y “La Conversación”, respectivamente. Las dos partes de "El Padrino", son consideradas monumentos del cine. Toda la saga de una familia siciliana, los Corleone, emigrada a EE.UU. con sus peripecias y andanzas delictivas en el mundo de los gangsters eran mostradas de forma magistral tanto narrativa como artísticamente. El Padrino será desde ese momento parte de la mitología del cine. Si hay películas en los 70 imperecederas e incluso ganando solera con el paso de los años, éstas son las dos partes de la saga Corleone.

Por su parte, "Apocalypse Now" (1.979) era otro fresco antológico de la guerra del Vietnam. La guerra de la que todo el mundo había oído hablar y que los afortunados que no tuvimos que padecerla in situ, supimos gracias a la película cómo fue. La película se basaba en el relato de Joseph Conrad, “El corazón de las tinieblas”, y la narración no servía sino para dar un hilo conductor que mostrase los horrores de la guerra y la monstruosidad que una degradación moral puede producir. Película excelente que corroboraba el talento de Ford Coppola como director y creador artístico.

“La Conversación” (1.974) nos lleva a uno de los temas más recurrentes del cine de la década: las conspiraciones, el secretismo; la ocultación de las verdades. Y para ello un detective como Gene Hackman que nos arrastra con su sobresaliente interpretación a un mundo de inquietudes y zozobras.

Steven Spielberg (1.946). rueda una película en 1.971 para la televisión “Duel” que va a causar tal impacto que se exhibirá después en los cines. El protagonista era el mal en sí mismo y venía representado por un camión y su conductor al que jamás se le veía la cara, solamente sus botas y algún detalle menor. Las diabluras que tenía que padecer un pobre conductor para librarse de él cuando se lo topa en la carretera, era todo el argumento de una película que creaba un clima tan asfixiante e inquietante que no daba opción al respiro hasta que terminaba.

Vista con el paso del tiempo, se podría decir que esta película fue un adelanto de la que en el año 1.975 dejó a medio mundo acongojado: “Tiburón”. Tiburón era una película de auténtico terror. A partir de esta película miles de bañistas ya no entraron igual en las aguas del mar a como lo habían hecho hasta entonces. Un enorme escualo y una música persuasiva y reincidente de John Williams tuvieron la culpa. Tiburón será una de las películas más taquilleras en toda la historia del cine y Spielberg se consagraría con ella como uno de los grandes.

En 1.977 rodaría otra extraordinaria película: “Encuentros en la Tercera Fase” y con ella no hizo sino cimentar el prestigio alcanzado con la anterior. Con un guión que trasciende el que suele exigir el cine espectáculo y una realización que lo vierte en imágenes de forma magistral, “Encuentros”, seguramente debería estar entre las mejores películas de la década.

George Lucas (1.944) deja para la década un auténtico icono del cine “La Guerra de las Galaxias”. Con Stars Wars, la aventura en el cine, y nunca mejor dicho, da un auténtico subidón: las fuerzas del bien y del mal, la luz y la oscuridad se pusieron a combatir en unos duelos realizados con tal prodigio creativo que todo el mundo se quedó impresionado. Star Wars era eso, fascinante; un comic visual sublimado en toda regla que se apoyaba en un maniqueísmo llevado a sus últimas consecuencias.

No en vano, como ya sabemos, a esta película le seguirían en los 80 otras dos, “El imperio contraataca” y “El retorno del Jedi”, que formarían la primera de las tres trilogías que hasta el momento se han hecho de la saga, pero fue con la primera entrega de Stars Wars con la que Lucas dejaría para siempre su impronta en el mundo del cine.

Martin Scorsese (1.942). Scorsese es un autor italo-estadounidense que en 1.976 realiza una película que tiene como protagonista a un ex combatiente de Vietnam: "Travis Bickle" (Robert de Niro). Travis trabaja como “Taxi Driver” en la ciudad de Nueva York. La inestabilidad mental de Travis era el motivo, si se me permite decirlo así, para que Scorsese realizara todo un poema visual de la violencia. Travis había visto tantas cosas en la guerra que él mismo estaba dispuesto a acabar con todo el mal que poblaba en su ciudad. La historia, podía parecer simple, pero la forma de contarla por parte de Scorsese era demoledora. No daba lugar a los sobre entendidos. Con una atmósfera realmente asfixiante – Travis trabaja y vive en habitáculos pequeños – a la que ayudaba la fotografía de Michael Chapman y la música jazzística de Bernard Herrmann, Taxi Driver es otro icono de la época.

Brian de Palma (1.940). De Palma representa en la década el espíritu del thriller. Lo que ocurre es que no lo hace desde un punto de vista innovador (su influencia y adoración por Hitchcock es notoria), pero no por ello es un cine de segunda fila. Películas como “Hermanas” (1.973) y "Fascinación" (1.976) tenían cierto atractivo acrecentado cuando abordaba el cine fantástico, bien en forma de musical en “El Fantasma del Paraíso” (1.974) o de terror en “Carrie” (1.976). Con unas imágenes efectistas e impactantes, De palma deja un sello en los 70 que irá desvaneciéndose, con alguna excepción, en la década siguiente.

Woody Allen (1.935) . Allen renueva la comedia en los setenta. Si el género cómico en la década anterior aún bebía principalmente de gags visuales – En los 60 directores como Blake Edwards, Frank Tashlin y Jerry Lewis tenían un referente en las películas cómicas mudas -, Allen y su humor judío van a dar una preponderancia capital al diálogo. Constantes en sus películas van a ser temas como el sexo, la muerte y el psicoanálisis que están muy presentes en sus primeras películas - “El Dormilón” y “La Ultima Noche" de Boris Gruschenko -. Pero a partir de "Annie Hall", su cine va a tener más calado artístico (esta película alcanzó el Oscar en 1.977) y con ella va a empezar a reivindicar una autoría en su obra. Incluso, se permitirá dar un cambio de registro transitorio para rodar un drama en homenaje a su idolatrado Ingmar Bergman en “Interiores”, 1.978. Pero con la vuelta al humor en “Mannhatan” (1.979), pondrá broche a una década para él muy prolífica.

Junto a estos directores que constituían, por así decirlo, la savia nueva creativa, había otros que ya habían hecho películas en la anterior década y que continuaron en esta con películas admirables y muy a tono con el estilo del momento.



Don Siegel (1.912-1.991), crea a Harry Callahan en “Harry el sucio” (1.971). Harry es un policía que responde a los esquemas estrictos del orden y la ley sin admitir una fisura de ilegalidad. Con esta película se inaugura a través de policías o detectives íntegros, una crítica al sistema normativo americano y a su laxitud con los criminales (algunos llegaron a ver una postura fascistoide en el comportamiento de Harry). Y es que la sociedad norteamericana vivía en aquel momento una ola de asesinatos que hizo que el cine respondiera a ella con películas como ésta. Película visualmente impecable. Espectáculo puro y creación de un personaje que dará al cine futuras entregas pero que no tendrán el brío y el logro de Harry, el Sucio.

Alan J. Pakula (1.928 – 1.998). Realiza tres películas muy interesantes: “Klute” (1.971), “El Ultimo Testigo” (1.974) y “Todos Los Hombres Del Presidente" (1.976).

En la primera, Jane Fonda posiblemente hacía el mejor papel de su carrera al interpretar a una mujer de compleja psicología aspirante a actriz que, ante la imposibilidad de encontrar trabajo como tal, tenía que ejercer la prostitución para poder vivir, lo cual para ella en cierto modo no dejaba de ser también una interpretación. Esta circunstancia era precisamente la que la llevaba a colaborar con el detective Klute -Donald Sutherland – para ayudarle a encontrar al asesino que mató al amigo de éste.

Las otras dos películas abordan una temática clave para comprender el espíritu reinante en EE.UU. durante esos años: autodenuncia, crítica al sistema, secretismo conspiratorio, escuchas ocultas, espionaje…

En “El Ultimo testigo” (1.974), la conspiración política y la investigación llevada a cabo por un periodista, espléndido Warren Beatty, eran las protagonistas de una trama que tenía reminiscencias con el asesinato de JFK. El resultado fue una película valiente y arriesgada que tendría continuación en “Todos los hombres del Presidente”(1.976), sin duda la más destacada de las tres. Watergate y la minuciosa investigación por parte de los periodistas Woodward y Bernstein (sensacionales Robert Redford y Dustin Hofman) del Washington Post, ponían al descubierto los miedos y las redes ocultas tejidas desde el poder que estaban latentes en el trasfondo de la sociedad.

Sydney Lumet (1.924). Los años 70 son para Lumet la década mejor. Con Al Pacino colabora para que interprete dos estupendas películas que van a tener como asuntos la corrupción policial - "Serpico", (1.973) - y la crítica a los fenómenos mediáticos - aunque sea el robo a un banco – "Tarde De Perros" (1.975). Pero con "Network" (Un Mundo Implacable), de 1.976, llega a la cima de su cine de denuncia y se adelanta en treinta años a lo que el mundo de la televisión iba a llegar a ser: espectáculo en directo con las vidas personales como protagonistas y anuncios de suicidio incluidos.

Fantástica película exagerada en su final (todo hay que decirlo), pero con soberbias interpretaciones de Peter Finch, William Holden y Faye Dunaway y que solamente por la visión que hace de cómo puede llegar a degenerar el mundo de la televisión cuando lo único que importa son los índices de audiencia, la convierte en imprescindible en el cine de los 70.


Stanley Kubrick (1.928 – 1.999). Si Taxi Driver representaba la violencia de un personaje que habiendo visto los horrores en la guerra de Vietnam quería acabar con la inmundicia que reinaba en los bajos fondos de Nueva York, “La Naranja Mecánica”, (1.971) representaba la violencia instituída por el poder mismo para reformar a los inadaptados y malhechores de la sociedad. Una violencia supuestamente legitimada para operar con fines terapeutico-sociales. Basada en la novela homónima de Anthony Burguess, la película fue muy polémica y criticada por algunos sectores por su “violencia extrema”.

En 1.975, Kubrick rodará “Barry Lyndon”, basada en la novela victoriana del mismo título y que contaba las vicisitudes por las que pasaba un joven ambicioso irlandés caído al final en la desgracia. Realizada como fresco histórico, se inspiraba en cuadros de la época para componer una película muy lograda en el aspecto técnico y estético pero a la que le perjudicaba su excesiva duración, 180 minutos.

Sam Peckinpah (1.925 – 1.984) retrataba también la violencia con su ralentizado estilo tan peculiar en él en películas como “Perros de Paja”(1.971), “La Huida" (1.972) y el western “Pat Garret y Billy The Kid” (1.973). En realidad, en Peckimpah la violencia es un componente de su cine más como elemento estético que crítico. La violencia en él, es un elemento susceptible de desencadenarse en momentos de álgida tensión o de situaciones extremas.



Sydney Pollack (1.934 – 2.008). Pollack, es un director que ha tocado muchos géneros de manera desigual. Dentro de esta década, merecen destacarse sus películas “Las Aventuras de Jeremiah Johnson” (1.972), “Tal como éramos”(1.973), “Los tres días del cóndor” (1.975); y, en menor medida, “Un instante, una vida” (1.977).






Si bien nos ha marcado este torbellino de excelentísimas figuras del cine, pinchar en este enlace para acceder al PDF con los títulos destacados de las películas de la década.


Un universitario cualquiera.

1 comentario

Neogeminis dijo...

pufffffff cuántos directores, cuántas películas!!!...cine del mejor!...creo que no hay que limitarse a optar por uno u otro, todos son grandes y han contribuido para que el CINE, así con mayúsculas, sea lo que es para nuestra sociedad: arte, expresión, testimonio, espejo, denuncia, recreación, estética, ...todo con el mejor formato.

Un abrazo!


 
ir arriba